En la imponente nave
del templo bizantino,
vi la gótica tumba a la indecisa
luz que temblaba en los pintados vidrios.
Las manos sobre el pecho,
y en las manos un libro,
una mujer hermosa reposaba
sobre la urna, del cincel prodigio.
Del cuerpo abandonado,
al dulce peso hundido,
cual si de blanda pluma y raso fuera
se plegaba su lecho de granito.
De la sonrisa última
el resplandor divino
guardaba el rostro, como el cielo guarda
del sol que muere el rayo fugitivo.
Del cabezal de piedra
sentados en el filo,
don ángeles, el dedo sobre el labio,
imponían silencio en el recinto.
No parecía muerta;
de los arcos macizos
parecía dormir en la penumbra,
y que en sueños veía el paraíso.
Me acerqué de la nave
al ángulo sombrío
con el callado paso que llegamos
junto a la cuna donde duerme un niño.
La contemplé un momento,
y aquel resplandor tibio,
aquel lecho de piedra que ofrecía
próximo al muro otro lugar vacío,
en el alma avivaron
la sed de lo infinito,
el ansia de esa vida de la muerte
para la que un instante son los siglos ...
*
Cansado del combate
en que luchando vivo,
alguna vez me acuerdo con envidia
de aquel rincón oscuro y escondido.
De aquella muda y pálida
mujer me acuerdo y digo:
?¡Oh, qué amor tan callado, el de la muerte!
¡Qué sueño el del sepulcro, tan tranquilo!
Rima LXXVI
📖Reseña y Análisis Literario
La 'Rima LXXVI' es una de las piezas más profundas y sobrecogedoras del corpus becqueriano. En ella, el poeta abandona la angustia amorosa inmediata para adentrarse en una meditación metafísica sobre la finitud y el descanso eterno. La descripción de la efigie yacente en el templo bizantino no es solo una recreación estética, sino una proyección del deseo de paz ante la fatiga existencial. La atmósfera de penumbra y silencio actúa como un catalizador para que el yo lírico contemple la muerte no como una tragedia, sino como un estado de serenidad absoluta. La 'sed de lo infinito' emerge aquí como la pulsión fundamental del romanticismo, donde la vida se percibe como un 'combate' constante que solo encuentra alivio en la quietud sepulcral. El poema transita desde la observación externa y plástica —la belleza del mármol y los ángeles custodios— hacia una introspección íntima donde la muerte se idealiza como un 'amor callado'. Esta pieza es fundamental para comprender cómo Bécquer transforma el dolor romántico en una forma de trascendencia, donde la frialdad de la piedra se convierte, paradójicamente, en un lecho más cálido y acogedor que la propia realidad terrenal, reafirmando la naturaleza elegíaca y melancólica que define toda su producción poética.
🏛️Contexto Histórico
Escrita durante la madurez creativa de Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870), esta rima se inscribe en la etapa post-romántica española. En este periodo, el autor, marcado por la enfermedad y la decepción vital, se aleja de la exuberancia retórica para buscar una expresión más depurada y reflexiva. La obra refleja la obsesión del siglo XIX por el arte gótico, la contemplación de lo sublime y la fascinación por la muerte como el último refugio frente a la desilusión de la vida moderna.
✍️Figuras Literarias y Métrica
El poema destaca por un uso magistral de la adjetivación sensorial y la hipérbole metafórica. Se emplea la personificación al describir la piedra que 'se plegaba' y los ángeles que 'imponían silencio'. Es notable la comparación entre el sepulcro y la cuna, que invierte el sentido de la muerte acercándola a la paz de la infancia. En cuanto a la métrica, Bécquer utiliza una serie de estrofas de arte menor, combinando heptasílabos y endecasílabos con rima asonante en los versos pares, otorgando un ritmo pausado y melancólico. Se recurre frecuentemente al encabalgamiento para enfatizar la continuidad entre la vida y el reposo eterno.