Las cariátides andan sobre piedras
como cisnes que anhelan otros cisnes
en los puertos surgidos de la luna.
Las cariátides y Pigmalión
conversan ateridos y distantes
sobre el cruel simulacro de la vida.
Mientras, transcurre la hora oscura
con el temblor añadido del invierno,
con la carne manchada por las flores.
Las cariátides quieren ser la noche,
esponjarse en sus húmedos lugares,
y brillar como grillos antropófagos.
Pigmalión se deslíe y sus palabras
constelan el aire, los madrigales,
y envenenan los besos terroríficos. .
¿Cómo no temer el tiempo impío
en que arden las crines ya salvajes
de las estatuas frías como un sol
apagado en la soledad del cosmos?
¿Cómo no amar el sortilegio
que cubre de sombras y de escamas
la tiniebla eterna que fluctúa
entre luces novas y saltamontes?
Las cariátides tocadas por el verbo
vuelven a ser mármol, a ser cisne
tallado en un litoral de isla.
Cariátides
📖Reseña y Análisis Literario
En 'Cariátides', Teresa Domingo Català nos propone una relectura lírica del mito clásico, tensionando la frontera entre la inercia del mármol y la pulsión de la vida. La cariátide, símbolo de soporte arquitectónico y rigidez, se libera aquí de su rol funcional para habitar un espacio onírico donde el deseo y la otredad se entrelazan. El encuentro con Pigmalión no representa la creación idealizada, sino una conversación trágica sobre el 'simulacro', sugiriendo que la consciencia es una carga alienante. Temas como la metamorfosis, el paso del tiempo y la deshumanización dominan el discurso. La atmósfera es gélida y existencialista, donde la belleza convive con lo grotesco ('grillos antropófagos'). El poema evoca una melancolía cósmica: la estatua, al adquirir la capacidad del verbo y el sentir, descubre el horror del tiempo impío. La resolución final, donde el sujeto lírico retorna a su condición de piedra, actúa como una suerte de salvación trágica; el retorno a la inanimación es la única forma de alcanzar la permanencia frente a la fugacidad del deseo humano. Es una pieza de una alta densidad metafórica que cuestiona la condición del arte mismo como una forma de cautiverio.
🏛️Contexto Histórico
Teresa Domingo Català se enmarca en la tradición de la poesía española contemporánea que revisita la mitología grecolatina con una sensibilidad posmoderna. Su obra tiende a desmitificar los arquetipos clásicos, integrándolos en paisajes surrealistas y existencialistas. Este poema refleja la influencia de la tradición mediterránea, propia de autores que, en la segunda mitad del siglo XX y principios del XXI, utilizan el lenguaje neoclásico para explorar angustias contemporáneas, la incomunicación y la identidad del sujeto frente al vacío del cosmos.
✍️Figuras Literarias y Métrica
El poema se construye sobre una base de verso libre con una musicalidad interna marcada por el uso frecuente del encabalgamiento y la aliteración. Entre los recursos principales destacan la metáfora ('estatuas frías como un sol apagado'), la antítesis entre el mármol y la carne, y el uso de imágenes surrealistas ('grillos antropófagos', 'carne manchada por las flores'). Existe una clara intertextualidad con el mito de Pigmalión, invertido aquí para resaltar el drama de la consciencia. Las interrogaciones retóricas al final del poema funcionan como un recurso de cierre especulativo, reforzando la atmósfera de desolación metafísica.