Antigüedad
mujer hermosa
con ojos pompeyanos
que lleva cestos
de sombra
hasta las viñas
Mar
que se mira
en un espejo
y se serena
antes de que
la vean
amanecer las naves
orgullosas
Mujer
lanceolada
con los pechos
en púrpura
que visita
los templos
y pestañean
las lámparas
de aceite
Cintura de la juventud
de la columnas
melancolía
de la flor de
la manzanilla
que te hace
aniversarios
en latín
al lado
de las losas
Mujer
vestida de ceniza
y rayo de luna
que en la noche
te han visto llorar
sobre un mosaico
Pasabas
levemente
los dedos
por la desvanecida
sonrisa
de los padres
queridos.
Arquitectura de las ruinas
📖Reseña y Análisis Literario
En 'Arquitectura de las ruinas', Aurelio González Ovies construye una elegía que entrelaza la finitud humana con la permanencia atemporal de la historia clásica. El poema es un retrato lírico de una figura femenina que actúa como un puente viviente entre el presente y un pasado mítico, representado por ruinas pompeyanas y templos antiguos. El autor evoca una atmósfera de nostalgia profunda, donde la mujer se convierte en una encarnación del tiempo: ella misma es arquitectura y ruina, belleza y ceniza. A través de imágenes sensoriales como la 'púrpura' de los pechos, los 'ojos pompeyanos' y la 'manzanilla' con sabor a latín, Ovies logra que la desolación de los vestigios arqueológicos no se sienta como algo muerto, sino como una presencia viva que todavía siente, llora y recuerda. Los temas centrales son la fugacidad de la vida frente a la eternidad de los monumentos, el duelo por los ancestros y la idealización de la memoria. La emoción predominante es una melancolía serena, casi religiosa, donde el acto de tocar los mosaicos se transforma en un rito de conexión con aquellos que nos precedieron. Es, en esencia, una meditación sobre cómo el ser humano intenta anclar su identidad en las grietas del pasado, encontrando belleza en la descomposición y sentido en los restos del tiempo.
🏛️Contexto Histórico
Aurelio González Ovies es un destacado poeta asturiano contemporáneo, cuya obra suele explorar la cotidianidad, la familia y la espiritualidad. Este poema se inscribe en la tradición neoclásica de la lírica española que revisita la Antigüedad no solo como un escenario decorativo, sino como un sustrato emocional. La obra refleja la sensibilidad de un autor preocupado por la huella de la memoria y el paso inexorable del tiempo, motivada por la contemplación de la decadencia física frente a la persistencia del espíritu humano en la historia.
✍️Figuras Literarias y Métrica
El poema se caracteriza por un verso libre, breve y fragmentado, que imita visualmente la estructura de una columna quebrada o una ruina. Utiliza metáforas potentes como 'mujer vestida de ceniza y rayo de luna', que dota al sujeto de una cualidad etérea y fúnebre. Se emplea la personificación cuando el mar se mira en un espejo para serenarse y cuando las lámparas 'pestañean', otorgando vida a los objetos inertes. La aliteración y el uso de términos latinos refuerzan la conexión con la antigüedad clásica. No sigue una métrica rígida, permitiendo que el ritmo caiga sobre los sustantivos clave, enfatizando la pausa y la contemplación.