Dices muerte, y en tu palabra asoma
la cicatriz, el hielo,
la plenitud solemne de algún muro
que nunca sabrá nadie dónde fue construido,
qué jardines oculta,
qué regiones ardidas aprisiona.
A su conjuro acuden los pájaros más tristes,
se posan en tus manos
y derraman sus cánticos de luna
sobre tu piel que nace cada día.
Siempre
vence lo oscuro:
el grito de la ausencia, con su herida
tan honda y rescatada,
las pequeñas memorias
que el viento disemina como humildes cenizas,
la serpiente del frío
con sus ojos abiertos de carcoma.
Pero la muerte tiene
sus anchas claridades, universos
de ámbar, playas inagotables
de arenas como estrellas
donde el sol es más justo
y el mar lleva en sus alas un perfume
de inaccesibles rosas
que imanta y enamora.
¡Ah, su limpio lenguaje,
su mirada de madre
cuando entorna la vida entre sus brazos,
su sonrisa
tan pura y duradera!
Todo en ella es silencio,
prudente caminar entre los árboles,
pradera, junco, sueño,
cauce, vuelo de abejas,
lentísima esperanza.
Triunfa
desde todas las sombras,
pero guarda sus cálidos secretos
en la hermosa amatista de sus labios.
¿Y después? ¿Y después?...
La duda es una música
que lame nuestras médulas
con sus garfios de sangre:
Quizás sólo la noche.
Quizás un ancho río
de orillas serenísimas.
Quizás una dolida, inmóvil carcajada.
Retrato en amatista
📖Reseña y Análisis Literario
En 'Retrato en amatista', Antonio Porpetta ofrece una meditación lírica y profunda sobre la muerte, alejándose de la visión puramente fúnebre para explorar una dualidad fascinante. El poema comienza retratando la muerte como un ente gélido, asociado a la cicatriz, la ausencia y el olvido, donde el dolor es una herida constante. Sin embargo, el autor realiza un giro magistral a mitad de la obra, transformando esta imagen sombría en una visión de 'anchas claridades'. Aquí, la muerte se presenta como un refugio cósmico, un espacio de belleza inagotable, silencio y esperanza latente, casi maternal. Esta metamorfosis sugiere que la muerte no es el final absoluto, sino una dimensión de paz, un 'limpio lenguaje' que guarda secretos inescrutables. La estructura del poema refleja este tránsito emocional: de la angustia ante la finitud a la contemplación serena. El uso de la amatista en el título y cierre simboliza esa barrera preciosa, dura y oculta que protege el misterio final. En última instancia, Porpetta evoca una mezcla de temor existencial y fascinación metafísica; nos recuerda que, ante la incertidumbre, la poesía se convierte en el único puente capaz de otorgar forma a lo inefable. La conclusión deja al lector suspendido en la duda, no como una carencia, sino como una música punzante que define nuestra propia humanidad ante la inmensidad del destino.
🏛️Contexto Histórico
Antonio Porpetta (1936-2022) fue una figura destacada de la poesía española contemporánea, vinculado a la generación de posguerra y conocido por su rigor técnico y profundidad reflexiva. Su obra suele inscribirse en una tradición humanista que dialoga con los grandes temas existenciales (el tiempo, la memoria y el fin de la vida) sin adscribirse estrictamente a las modas vanguardistas. 'Retrato en amatista' refleja la madurez de un autor que, desde una perspectiva neorromántica y reflexiva, aborda la muerte con una serenidad distanciada, una constante en la poesía española de finales del siglo XX que buscaba recuperar la voz lírica frente al desencanto social.
✍️Figuras Literarias y Métrica
El poema es rico en recursos estilísticos que potencian su atmósfera mística. Destacan las metáforas sensoriales, como 'la serpiente del frío' o 'garfios de sangre', que materializan conceptos abstractos. El autor emplea el oxímoron y la paradoja, especialmente al describir la muerte como una 'mirada de madre' que entorna la vida, rompiendo con la iconografía tradicional de la parca. La personificación es recurrente al otorgarle a la muerte rasgos humanos ('sus cálidos secretos'). En cuanto a la métrica, Porpetta utiliza versos libres de extensión variable que permiten un ritmo pausado, casi contemplativo, reforzado por el uso estratégico de encabalgamientos que dan fluidez a las imágenes. La repetición anafórica de 'Quizás' al final del poema funciona como un recurso enfático para subrayar la incertidumbre existencial ante el 'después'.